Choses à Savoir HISTOIRE

Si l’on entend par “italique” la typographie inclinée que l’on utilise aujourd’hui pour souligner un mot, l’invention naît à Venise, autour de 1500, chez l’imprimeur humaniste Alde Manuce (Aldus Manutius) et son graveur de poinçons, Francesco Griffo (dit “de Bologne”). Leur objectif est double : imiter la belle cursive humaniste alors en vogue dans les chancelleries italiennes, et réduire l’encombrement des pages pour éditer des “livres de poche” bon marché. En 1501, l’italique de Griffo fait ses débuts dans l’édition aldine des “Œuvres de Virgile” au format in-octavo. À la différence de notre usage moderne, l’italique ne sert pas d’abord à l’emphase : il compose tout le texte. On gagne de la place – les lettres sont plus étroites, plus “liées” – et le lecteur retrouve le rythme manuscrit prisé par les lettrés.Mais cette italique imprimée n’est pas née ex nihilo. Elle s’inspire d’une écriture manuscrite italienne du XVe siècle : la cancellaresca corsiva (la “chancelière”), une cursive élégante utilisée par les secrétaires et copistes des cours princières et de la Chancellerie pontificale. Parmi ses artisans, le lettré florentin Niccolò de’ Niccoli (†1437) popularise une cursive humaniste rapide et inclinée ; plus tard, des maîtres-écrivains la codifient. Au XVIe siècle, Ludovico degli Arrighi publie à Rome (1522) La Operina, premier manuel imprimé pour apprendre la chancelière ; Giovanni Antonio Tagliente (1524) et Giovan Battista Palatino (1540) diffusent à leur tour des modèles. Autrement dit : la main (l’écriture manuscrite) précède la fonte (le caractère), et l’atelier aldine “fige” cet idéal calligraphique en métal.Après Manuce et Griffo, l’italique se répand partout en Europe. À Paris et Lyon, Claude Garamond et Robert Granjon taillent des italiques qui deviendront des canons stylistiques. Peu à peu, l’usage se transforme : au lieu de composer des livres entiers en italique, les imprimeurs associent un “romain” droit pour le corps du texte et une italique pour des valeurs sémantiques nouvelles : mots étrangers, titres d’œuvres, voix intérieure, emphase. Au XVIIe siècle, cette répartition devient la norme occidentale.Alors, qui l’a inventée ? Pour la typographie italique, la paternité revient à Alde Manuce et Francesco Griffo (Venise, 1501). Pour l’écriture italique manuscrite qui l’inspire, il faut saluer la tradition humaniste italienne : Niccolò de’ Niccoli comme initiateur, puis les maîtres-écrivains Arrighi, Tagliente et Palatino, qui en fixent les règles. L’italique moderne est donc une passerelle : de la plume du scribe au poinçon du graveur, puis à nos claviers — une invention à la fois pratique, esthétique et résolument italienne. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Parmi les grandes figures de la Résistance française, Émilienne Moreau tient une place à part. Son destin fut incroyable parce qu’il traversa deux guerres mondiales, chacune la révélant comme une femme d’exception.L’histoire commence en 1915, pendant la Première Guerre mondiale. Émilienne a seulement 17 ans. Elle vit à Loos-en-Gohelle, près de Lens, une ville occupée par les troupes allemandes. Lorsque les combats éclatent autour de son quartier, elle décide de transformer la maison familiale en poste de secours improvisé. Elle soigne les blessés, abrite des soldats britanniques et, lorsque les Allemands tentent d’entrer, elle n’hésite pas à prendre les armes. À coups de grenades et de fusil, la jeune fille repousse plusieurs assauts, protégeant ainsi les soldats alliés. Son courage impressionne tant qu’elle est décorée par la France, le Royaume-Uni et même par la Russie. À 17 ans, elle devient l’une des héroïnes les plus célèbres de la guerre.Après 1918, Émilienne épouse un officier, fonde une famille et mène une vie plus discrète. Mais son incroyable destin ne s’arrête pas là. Quand la Seconde Guerre mondiale éclate, elle a la quarantaine. Fidèle à son tempérament, elle refuse la soumission. Très vite, elle s’engage dans la Résistance, notamment au sein du mouvement Combat. Elle organise des filières d’évasion, diffuse des tracts clandestins, participe aux réseaux d’information. Arrêtée par la Gestapo, elle échappe de justesse à la déportation, mais continue malgré tout ses activités.Ses actions lui valent d’être à nouveau décorée à la Libération. Devenue figure de proue de la Résistance féminine, elle incarne le courage et la détermination d’une génération qui n’a jamais accepté la tyrannie.Ce qui rend le destin d’Émilienne Moreau si remarquable, c’est sa double carrière héroïque : adolescente téméraire dans les tranchées de 1915, puis résistante aguerrie face aux nazis trente ans plus tard. Peu de figures de l’histoire de France ont ainsi incarné, à deux époques différentes, la même force de caractère et le même engagement.Émilienne Moreau s’éteint en 1971, couverte de décorations, mais son nom reste trop peu connu du grand public. Pourtant, son parcours illustre à la fois le courage individuel, la place des femmes dans les conflits et cette incroyable capacité à se lever deux fois contre l’oppression.En somme, si son destin fut exceptionnel, c’est parce qu’il relie deux guerres mondiales à travers une seule vie, celle d’une femme qui, deux fois, choisit la liberté au prix du danger. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Le rôle du pape Pie XII durant la Seconde Guerre mondiale reste l’un des sujets les plus controversés de l’histoire contemporaine. Né Eugenio Pacelli, élu pape en 1939, il fut confronté dès le début de son pontificat à la montée des totalitarismes et, surtout, à l’extermination des Juifs d’Europe. Pourtant, beaucoup lui reprochent un « lourd silence » face à la Shoah.Dès les années 1930, Pacelli, alors nonce apostolique en Allemagne, avait négocié le concordat avec Hitler pour protéger les droits de l’Église catholique. Certains y voient un signe d’accommodement. Une fois pape, Pie XII exprima certes son hostilité envers les idéologies racistes et totalitaires, notamment dans son encyclique Summi Pontificatus en 1939, mais il ne cita jamais explicitement le nazisme ni le sort des Juifs.Pendant la guerre, les informations sur les massacres atteignent Rome : les déportations, les ghettos, les exécutions massives. En octobre 1943, quand les nazis arrêtent plus d’un millier de Juifs à Rome, sous les fenêtres du Vatican, Pie XII ne proteste pas publiquement. Il ordonne en revanche d’ouvrir des couvents et des institutions religieuses pour cacher des persécutés. Ces gestes humanitaires, bien réels, sauvèrent plusieurs milliers de vies. Mais la parole solennelle du pape, sa condamnation claire et publique du génocide, ne vinrent jamais.Pourquoi ce silence ? Les défenseurs de Pie XII avancent qu’il voulait rester « neutre » pour protéger les catholiques dans les pays occupés, éviter de provoquer des représailles encore plus terribles et préserver la diplomatie du Saint-Siège. Ils rappellent qu’une protestation trop directe, comme celle de l’évêque néerlandais face aux déportations, entraîna une répression accrue contre les Juifs baptisés. Le pape aurait donc choisi la prudence pour limiter les dégâts.Ses critiques, eux, estiment que cette prudence fut une faute morale. Dans un monde en feu, face à un génocide unique dans l’histoire, le silence du chef spirituel de millions de fidèles équivalait à une abdication. Son autorité morale aurait pu galvaniser la résistance des consciences. Au lieu de cela, l’absence de dénonciation claire fut perçue comme une forme d’indifférence, ou au minimum comme un calcul politique.Depuis l’ouverture progressive des archives du Vatican, les historiens continuent de débattre. Mais l’image d’un pape resté muet devant l’horreur reste gravée. « Le silence de Pie XII » est devenu un symbole : celui des dilemmes, des compromissions et des manques de courage qui entourèrent la plus grande tragédie du XXe siècle. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Parmi toutes les légendes japonaises, celle des 47 rônins occupe une place à part. Elle incarne l’essence du bushidô, le code d’honneur des samouraïs, et raconte comment des hommes décidèrent de sacrifier leur vie pour venger leur maître.Tout commence en 1701, sous le shogunat Tokugawa. Asano Naganori, seigneur du domaine d’Akô, est chargé d’accueillir des envoyés impériaux au château d’Edo. Pour l’aider, on lui assigne Kira Yoshinaka, un haut fonctionnaire réputé pour sa cupidité. Kira attend des cadeaux et des pots-de-vin, mais Asano, jeune seigneur intègre, refuse de céder. L’humiliation grandit entre les deux hommes.Un jour, excédé par les insultes, Asano dégaine son sabre et blesse Kira dans le château du shogun. Or, dégainer une arme dans ce lieu sacré est un crime impardonnable. Asano est immédiatement condamné au seppuku, le suicide rituel, et ses terres confisquées. Ses samouraïs deviennent alors des rônins, des guerriers sans maître.À la tête de ces hommes se trouve Ôishi Kuranosuke. Officiellement, il se résigne, mène une vie dissolue et semble avoir abandonné toute idée de vengeance. Mais c’est une ruse. Pendant près de deux ans, il cache ses intentions, laissant ses ennemis croire que les anciens vassaux d’Asano ont perdu tout esprit combatif.Dans l’ombre pourtant, Ôishi et quarante-six compagnons préparent minutieusement leur revanche. Ils étudient les habitudes de Kira, la disposition de sa demeure et attendent le moment propice. Dans la nuit glaciale du 14 décembre 1702, ils passent à l’action. Armés de sabres et d’arcs, ils prennent d’assaut la résidence de Kira. Le combat est bref mais violent. Finalement, ils trouvent Kira caché dans une remise. Il est exécuté sur place, et sa tête tranchée est déposée sur la tombe d’Asano, au temple Sengaku-ji.Le Japon tout entier est bouleversé. D’un côté, les rônins ont violé la loi en commettant un meurtre prémédité. De l’autre, ils ont respecté jusqu’au bout l’honneur de leur seigneur. Le shogun hésite, puis tranche : les 47 rônins ne seront pas traités comme de vulgaires criminels, mais devront accomplir le seppuku. Ils meurent donc dignement, rejoignant leur maître dans la mort.Leur tombe au temple Sengaku-ji, à Tokyo, est devenue un lieu de pèlerinage. Aujourd’hui encore, l’histoire des 47 rônins reste un symbole de loyauté, de sacrifice et de fidélité inébranlable, rappelant qu’au Japon, l’honneur pouvait valoir plus que la vie. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Quand on pense aux châteaux forts médiévaux, on imagine tout de suite des murailles épaisses, des ponts-levis et des tours de guet. Mais un détail, souvent oublié, intrigue les visiteurs : ces petites excroissances en pierre, perchées au-dessus du vide, parfois à plusieurs mètres de hauteur. Ce sont les latrines suspendues, ou garde-robes, un élément aussi essentiel qu’ingénieux de la vie quotidienne au Moyen Âge.Pourquoi donc construire les toilettes… à l’extérieur des murs ? La réponse tient à un subtil mélange de praticité, d’hygiène et de défense.D’abord, la question de l’évacuation. Les châteaux abritaient parfois des centaines de personnes : seigneurs, soldats, domestiques. Il fallait bien gérer les besoins naturels sans transformer les salles en cloaques insupportables. En plaçant les latrines en encorbellement au-dessus des fossés ou de la pente extérieure, les déchets étaient directement rejetés à l’extérieur du bâtiment. Un seau ou un simple conduit permettait d’évacuer tout cela par gravité. Pas très élégant, mais rudement efficace.Ensuite, l’hygiène relative. Les conceptions médicales de l’époque n’avaient rien de moderne, mais on comprenait que les miasmes — les mauvaises odeurs — pouvaient rendre malade. Mettre les latrines hors des murs limitait les nuisances et les risques de contamination. Certaines forteresses utilisaient même les fossés remplis d’eau pour entraîner les déchets, créant une forme primitive d’égout.Enfin, l’architecture défensive n’était jamais loin. Dans certains cas, les conduits des latrines donnaient directement sur les fossés, ajoutant aux eaux stagnantes une couche supplémentaire de répulsion pour l’ennemi. Et il arrivait que les assaillants tentent d’utiliser ces ouvertures pour s’infiltrer : d’où la présence de grilles ou de pierres escamotables, preuve que même les toilettes faisaient partie de la stratégie militaire.Bien sûr, le confort restait sommaire. Les sièges étaient en bois, percés d’un simple trou, parfois partagés. Les nobles pouvaient bénéficier de latrines privées attenantes à leur chambre, mais les soldats et les serviteurs se contentaient d’espaces collectifs. Le mot garde-robe lui-même vient de cette habitude d’y suspendre les vêtements : les odeurs fortes repoussaient naturellement les mites et autres parasites du tissu.En somme, ces latrines suspendues sont un symbole du pragmatisme médiéval. Ni luxe, ni raffinement, mais une réponse concrète aux défis d’hygiène et de logistique posés par la vie en autarcie derrière les murailles. La prochaine fois que vous verrez ces petites tourelles en surplomb, rappelez-vous : elles étaient le signe d’une architecture qui pensait autant à l’ennemi qu’aux besoins les plus quotidiens de ses habitants. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Au XVIIIᵉ siècle, Venise est la capitale de la fête, du mystère et des intrigues. Ses bals masqués et ses salons mondains attirent l’Europe entière. Parmi les multiples accessoires de cette société raffinée, un objet insolite se distingue : la moretta, un masque destiné aux femmes, qui a la particularité de les condamner… au silence.La moretta est un petit masque ovale, généralement en velours noir, qui recouvre entièrement le visage. Contrairement aux autres masques vénitiens, elle ne s’attache pas avec un ruban. Pour la maintenir, la femme devait serrer entre ses dents un bouton ou un petit bâtonnet placé à l’intérieur. Résultat : impossible de parler sans faire tomber le masque. Par essence, la moretta réduisait donc celle qui la portait au rôle d’observatrice muette.Mais pourquoi un tel objet a-t-il vu le jour ? L’usage de la moretta n’était pas seulement esthétique. Dans les salons et les fêtes, elle donnait aux femmes un air de mystère, de retenue, accentuant le pouvoir de séduction par l’absence de parole. Le silence forcé devenait un langage en soi, laissant place aux regards, aux gestes, aux attitudes. Elle protégeait aussi l’anonymat, permettant de circuler dans la haute société sans révéler son identité.Pourtant, cette fonction séductrice avait un revers. La moretta illustre aussi le statut des femmes dans la société vénitienne de l’époque : tenues d’être belles, intrigantes, mais surtout discrètes. En leur interdisant de parler, le masque les réduisait à un rôle d’apparence, d’énigme silencieuse, dans un univers dominé par les hommes.L’objet fascina les observateurs étrangers. Dans ses récits, Jean-Jacques Rousseau mentionne ces « femmes muettes » cachées derrière un masque noir, mystérieuses et frustrantes à la fois. Des gravures du XVIIIᵉ siècle montrent la moretta comme un accessoire à la mode, adopté par les dames de la noblesse, mais aussi par certaines courtisanes qui s’en servaient pour intriguer davantage.Avec le déclin de la République de Venise à la fin du XVIIIᵉ siècle et la fin progressive des grandes mascarades, la moretta disparaît peu à peu des usages. Elle reste toutefois dans l’histoire comme un symbole à double face : un accessoire de séduction raffiné, mais aussi un outil qui matérialisait la mise au silence des femmes dans une société hiérarchisée et codifiée.Aujourd’hui, on retrouve des morette dans les musées ou lors des reconstitutions du carnaval de Venise. Elles rappellent à quel point un simple masque peut révéler, mieux que de longs discours, les rapports de pouvoir d’une époque. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

L’expression “pied-noir” est aujourd’hui associée aux Européens d’Algérie rapatriés en France après l’indépendance de 1962. Mais son origine est plus complexe, nourrie d’interprétations multiples, parfois contradictoires.D’abord, plusieurs hypothèses coexistent sur son apparition. La plus répandue affirme que le terme serait né au XIXᵉ siècle, en référence aux colons français arrivant en Algérie. Ils portaient de lourdes bottes en cuir noir, contrastant avec les babouches des populations locales. Les “pieds noirs” désigneraient donc ceux qui venaient d’outre-Méditerranée et marquaient le sol algérien de leur empreinte.Une autre théorie suggère que l’expression vient du monde maritime. Les marins qui traversaient la Méditerranée, souvent couverts de suie et de charbon à cause des machines à vapeur, étaient appelés “pieds noirs”. Beaucoup s’établirent ensuite en Algérie, renforçant l’association du terme avec les Européens installés sur place.Au début du XXᵉ siècle, “pied-noir” n’avait rien d’un mot valorisant. Il était utilisé de manière péjorative, parfois par les Français de métropole pour désigner ces colons jugés rustres ou différents. En Algérie même, le mot circulait aussi dans un registre ironique ou insultant. Ce n’est qu’après la guerre d’indépendance et l’exode massif des Européens en 1962 que le terme change de statut.En arrivant en France, près d’un million de rapatriés durent affronter la douleur du déracinement et le rejet d’une partie de la population métropolitaine. Le mot “pied-noir”, autrefois charge négative, devint peu à peu un marqueur identitaire. Se revendiquer “pied-noir”, c’était affirmer son histoire particulière, ses racines algériennes et la mémoire d’une communauté prise dans le tumulte de la décolonisation.Aujourd’hui encore, le terme véhicule des émotions contrastées. Pour certains, il symbolise la nostalgie d’une terre perdue, l’Algérie française. Pour d’autres, il reste associé aux tensions coloniales et à la mémoire douloureuse de la guerre. Mais au-delà des débats politiques, “pied-noir” est devenu un mot patrimonial, témoin d’une histoire franco-algérienne profondément imbriquée.Ainsi, l’étymologie du mot reflète à elle seule la complexité du passé colonial : né comme une injure, réapproprié comme un étendard, il raconte la trajectoire de ceux qui, ayant grandi sur l’autre rive de la Méditerranée, durent refaire leur vie en France. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

L’histoire de la clémentine ressemble à un conte fruité, né au croisement de la science, du hasard et de la passion botanique. Elle commence en 1902, dans un orphelinat agricole tenu par les Frères de l’Annonciation, près d’Oran, en Algérie alors française. Le responsable des lieux, le frère Clément Rodier, moine d’origine alsacienne, s’intéresse depuis longtemps à l’agriculture et à l’amélioration des cultures fruitières. Curieux, il multiplie les expérimentations dans le verger de l’orphelinat.Un jour, en observant des plants d’agrumes, il découvre un arbre étrange. Celui-ci, issu vraisemblablement d’un croisement naturel entre un mandarinier et un oranger doux, porte des fruits petits, ronds, à la peau fine et à la chair sucrée. Contrairement aux mandarines classiques, ils sont presque sans pépins. Le frère Clément comprend vite qu’il tient là une découverte précieuse, facile à cultiver et surtout très appréciée des enfants de l’orphelinat. On baptise ce nouveau fruit « clémentine », en hommage à son découvreur.L’innovation tombe à point nommé. À l’époque, la mandarine, bien que populaire, est jugée trop acide et pleine de graines, ce qui limite sa consommation. La clémentine, elle, se pèle facilement, ne laisse pas de jus collant sur les doigts et plaît aux plus jeunes comme aux adultes. Sa douceur et sa praticité la rendent rapidement irrésistible.Dès les années 1920, la culture de la clémentine se répand dans toute l’Algérie, puis en Corse, au Maroc et en Espagne. Après la Seconde Guerre mondiale, elle conquiert la France métropolitaine, devenant un fruit d’hiver emblématique. Dans les années 1960, la Corse en fait même une spécialité locale, donnant naissance à l’appellation « clémentine de Corse », très recherchée pour sa qualité.Aujourd’hui, la clémentine est produite sur tous les continents, des vergers méditerranéens aux plantations de Californie et d’Afrique du Sud. Mais son origine reste profondément franco-algérienne, née de l’observation attentive d’un moine qui voulait nourrir au mieux les enfants d’un orphelinat.Ce qui frappe dans cette histoire, c’est la rencontre entre le hasard biologique et la curiosité humaine. Sans le regard passionné du frère Clément, ce croisement naturel aurait pu passer inaperçu. Sa découverte illustre la manière dont l’agriculture, parfois, se réinvente grâce à des figures modestes, éloignées des laboratoires mais proches de la terre.La clémentine n’est donc pas seulement un fruit d’hiver que l’on déguste à Noël. Elle est le symbole discret d’une invention née dans un coin de verger algérien, devenue en un siècle un véritable patrimoine mondial. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Quand on pense aux symboles de la République française, l’image de Marianne s’impose immédiatement : une figure féminine coiffée du bonnet phrygien, incarnation de la liberté et de la nation. Les États-Unis, eux aussi, ont eu leur équivalent au XIXᵉ siècle : Columbia, une allégorie féminine qui personnifia longtemps l’Amérique avant que l’Oncle Sam ne lui vole la vedette.Le nom « Columbia » dérive de Christophe Colomb, perçu à l’époque comme le découvreur du Nouveau Monde. Dès la fin du XVIIIᵉ siècle, on utilise ce nom pour désigner poétiquement les États-Unis. Dans les discours, la poésie ou les chansons patriotiques, Columbia représente la jeune république américaine, indépendante de la Grande-Bretagne. On la retrouve notamment dans des vers de Philip Freneau ou dans des journaux politiques de la période révolutionnaire.Visuellement, Columbia prend la forme d’une femme noble, souvent drapée à l’antique comme une déesse grecque ou romaine. Comme Marianne, elle incarne à la fois la liberté, la vertu et la force de la nation. On la représente parfois avec une lance, un bouclier frappé de l’aigle américain, ou tenant la bannière étoilée. Elle est à la fois guerrière et protectrice, symbole d’une nation jeune mais ambitieuse.Tout au long du XIXᵉ siècle, Columbia devient omniprésente dans la culture populaire. On la voit sur les affiches de recrutement, les gravures, les caricatures politiques et même dans les salles de classe. Elle incarne l’idéalisme américain, le progrès, mais aussi l’expansion territoriale. Pendant la guerre de Sécession, on l’utilise pour symboliser l’unité retrouvée du pays. Après 1870, elle apparaît régulièrement aux côtés de « Brother Jonathan » (autre personnage symbolisant l’Américain ordinaire) avant que l’Oncle Sam ne s’impose définitivement comme figure nationale.Le cinéma a d’ailleurs prolongé ce mythe : le logo de la société Columbia Pictures, créé dans les années 1920, reprend cette figure féminine, debout, drapée comme une déesse, tenant une torche lumineuse. Preuve que, même si Columbia a perdu sa centralité politique, elle a survécu comme image culturelle durable.Pourquoi a-t-elle été éclipsée ? Au tournant du XXᵉ siècle, l’Oncle Sam, caricature masculine plus directe et plus identifiable, incarne mieux la puissance militaire et industrielle des États-Unis. Columbia, figure allégorique et classique, apparaissait peut-être trop abstraite face à une Amérique en pleine modernisation.En résumé, Columbia fut la Marianne américaine : une femme symbolisant liberté et république, héritière des mythes antiques, utilisée pour unir et inspirer la nation. Même oubliée, elle continue de briller à travers l’iconographie du cinéma et les archives d’une Amérique en quête de symboles. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

La théorie de Darwin dit que toutes les espèces vivantes descendent d’ancêtres communs. Or, dans chaque génération, apparaissent des variations individuelles. Certaines de ces différences offrent un avantage — par exemple une meilleure adaptation au milieu — et augmentent les chances de survie et de reproduction. Progressivement, ces traits bénéfiques se répandent dans la population : c’est la sélection naturelle. Au fil du temps, ce mécanisme produit des transformations profondes, jusqu’à l’apparition de nouvelles espèces. Darwin avait déjà réuni l’essentiel de ses observations et réflexions sur l’évolution dès les années 1830, à son retour du voyage du Beagle. Pourtant, il garda sa théorie dans ses tiroirs pendant plus de vingt ans. Pourquoi une telle hésitation ?D’abord, pour des raisons scientifiques. Darwin savait que sa thèse — l’idée que les espèces se transforment par sélection naturelle — allait à l’encontre du paradigme dominant de l’époque : la fixité des espèces, soutenue par la majorité des naturalistes et par l’Église. Il voulait donc accumuler des preuves irréfutables. Il passa des années à étudier la botanique, l’élevage de pigeons, la géologie ou encore la distribution des espèces pour consolider son argumentaire.Ensuite, pour des raisons personnelles et sociales. Darwin était conscient que sa théorie allait heurter les croyances religieuses profondes de la société victorienne. Lui-même, issu d’une famille anglicane, redoutait de choquer son entourage, notamment son épouse Emma, très croyante. Publier une telle idée risquait aussi de ternir sa réputation et d’entraîner des polémiques violentes.Un autre facteur est lié à son tempérament. Darwin était méthodique, perfectionniste et souvent hésitant. Il réécrivait sans cesse ses notes, cherchant à rendre son raisonnement inattaquable. Il parlait de sa théorie comme d’un “crime” à confesser.Ce n’est qu’en 1858, lorsqu’il reçut un manuscrit d’Alfred Russel Wallace — jeune naturaliste qui, de son côté, avait abouti à la même idée de sélection naturelle — que Darwin fut contraint d’agir. Ne voulant pas être devancé, il accepta de publier ses travaux en même temps que ceux de Wallace lors d’une présentation commune à la Société linnéenne de Londres.L’année suivante, en 1859, Darwin fit paraître L’Origine des espèces. L’ouvrage connut un immense retentissement, déclenchant débats, controverses et enthousiasmes.En résumé, Darwin n’a pas tant hésité par manque de conviction que par prudence. Il voulait à la fois renforcer la solidité scientifique de sa théorie et se protéger des tempêtes sociales et religieuses qu’il pressentait. Wallace, en quelque sorte, fut l’élément déclencheur qui le poussa à franchir le pas. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.